Kunst

Renaissance → Harmonie und Humanismus

Barock → Bewegung und Inszenierung

Klassizismus → Ordnung und Antikenideal

Die Zentralperspektive ist ein Verfahren, mit dem räumliche Tiefe auf einer zweidimensionalen Bildfläche dargestellt wird.

Linien, die in der Realität parallel verlaufen, scheinen auf einen oder mehrere Fluchtpunkte zuzulaufen.

Ein Meilenstein ist Filippo Brunelleschi im Florenz des frühen 15. Jahrhunderts. Die Technik wurde zu einem zentralen Bestandteil der Renaissancekunst.

Perspektive bedeutet nicht einfach „realistisch malen“. Sie ist ein konstruiertes System, mit dem eine bestimmte Vorstellung von Raum erzeugt wird.

Ikonografie beschäftigt sich mit der Identifikation und Deutung von Bildmotiven und dargestellten Themen.

Beispiel: Eine Frau mit einem Kind könnte zunächst einfach als Mutter mit Kind erscheinen. Ikonografisch fragt man:

Wer ist dargestellt? Welche Attribute sind vorhanden? Welche Geschichte oder welches religiöse Thema wird dargestellt?

Eine Lilie kann beispielsweise im christlichen Kontext auf Maria und ihre Reinheit verweisen.

Die weitergehende Interpretation der Bedeutung und des kulturellen Zusammenhangs wird häufig als Ikonologie bezeichnet.

Impressionismus interessiert sich stark für:

• Licht und Atmosphäre

• flüchtige Wahrnehmung

• Farbwirkung

• Alltagsszenen

• den Eindruck eines bestimmten Augenblicks

Beispiele: Claude Monet, Pierre-Auguste Renoir, Edgar Degas

Expressionismus legt stärker Wert auf:

• subjektiven Ausdruck

• emotionale Intensität

• Verfremdung

• expressive Farben und Formen

• innere Zustände

Beispiele: Ernst Ludwig Kirchner, Wassily Kandinsky, Franz Marc

Merksatz:

Impressionismus: Wie erscheint mir die Welt?

Expressionismus: Wie erlebe ich die Welt?

Abstrakte Kunst löst sich zumindest teilweise von der gegenständlichen Darstellung erkennbarer Objekte.

Das bedeutet aber nicht einfach „beliebige Formen malen“.

Abstraktion kann beispielsweise bedeuten, dass:

• Gegenstände stark vereinfacht werden,

• Formen geometrisiert werden,

• Farben unabhängig vom dargestellten Gegenstand eingesetzt werden,

• oder der Gegenstand vollständig verschwindet.

„Avantgarde“ bezeichnet in der Kunst Strömungen, die sich bewusst an der künstlerischen Spitze ihrer Zeit positionieren und etablierte ästhetische Konventionen infrage stellen.

Im 20. Jahrhundert gehören dazu beispielsweise:

• Futurismus

• Dadaismus

• Surrealismus

• Konstruktivismus

Avantgarde bedeutet daher nicht einfach „moderne Kunst“, sondern beinhaltet häufig einen Bruch mit bestehenden Kunstvorstellungen und Institutionen.

Dada entstand während des Ersten Weltkriegs, insbesondere im Umfeld des Zürcher Cabaret Voltaire.

Dadaisten stellten die Vorstellung infrage, Kunst müsse sinnvoll, schön oder rational verständlich sein.

Sie arbeiteten unter anderem mit:

• Zufall

• Collage

• Lautgedichten

• Montage

• Alltagsgegenständen

• absurden und provokativen Verfahren

Ein besonders wichtiger Künstler war Marcel Duchamp.

Sein Fountain (1917) – ein signiertes Urinal – wurde zu einem Schlüsselwerk der Kunstgeschichte.

Ein Ready-made ist ein Alltagsgegenstand, der aus seinem gewöhnlichen Gebrauchszusammenhang herausgenommen und als Kunst präsentiert wird.

Marcel Duchamp radikalisierte damit die Frage:

Was macht etwas überhaupt zu Kunst?

Bei Duchamp steht deshalb weniger die handwerkliche Herstellung des Objekts im Vordergrund als die Auswahl, Kontextualisierung und Setzung durch den Künstler.

Das hatte enorme Folgen für die Entwicklung der Konzeptkunst und für die Frage nach dem Verhältnis von Kunstwerk, Künstler, Institution und Betrachter.

Die Formel bezeichnet die Vorstellung, dass Kunst nicht zwingend einem moralischen, politischen, religiösen oder praktischen Zweck dienen muss.

Kunst kann ihren eigenen ästhetischen Regeln und Zielen folgen.

Die Idee wurde besonders im 19. Jahrhundert einflussreich und steht in Zusammenhang mit der zunehmenden Autonomie der Kunst gegenüber religiösen und höfischen Auftragssystemen.

Sie ist zugleich umstritten: Kunst kann natürlich trotzdem gesellschaftliche oder politische Wirkungen haben, auch wenn sie nicht ausdrücklich einem solchen Zweck folgt.

Ein Original ist das authentische Werk, das dem jeweiligen Künstler bzw. der jeweiligen künstlerischen Entstehung zugeschrieben wird.

Eine Reproduktion ist eine spätere Vervielfältigung oder Wiedergabe des Originals, etwa ein Druck oder ein hochwertiges digitales Abbild.

Eine Fälschung hingegen versucht, ein Werk oder dessen Urheberschaft bzw. Herkunft täuschend als authentisch erscheinen zu lassen.

Interessant ist Walter Benjamins Überlegung zur „Aura“ des Kunstwerks: Eine technische Reproduktion kann das Werk nahezu beliebig vervielfältigen, verändert dadurch aber auch dessen Verhältnis zu Einmaligkeit, Ort, Geschichte und Authentizität.

Renaissance (1400-1600)

Erkennen an: Harmonie, Symmetrie, Perspektive, realistische Körper, Antikenbezug.

Der Mensch und die beobachtbare Welt rücken ins Zentrum. Künstler erforschen Anatomie und räumliche Darstellung.

Namen: Leonardo da Vinci, Michelangelo, Raffael, Botticelli.

2. Barock (1600-1750)

Erkennen an: Dramatik, Bewegung, starke Hell-Dunkel-Kontraste, Pracht.

Bilder wirken oft wie eine dramatische Theaterszene. Licht lenkt den Blick und steigert die Emotion.

Namen: Caravaggio, Rembrandt, Rubens, Bernini.

Rokoko (1715-1780)

Erkennen an: Pastellfarben, verspielte Eleganz, Ornamente, Liebes- und Freizeitmotive.

Häufig leichter und intimer als der oft monumentale Barock – mit aristokratischen Gesellschaftsszenen.

Namen: Fragonard, Watteau, Boucher.

Klassizismus / Neoklassizismus (1760-1830)

Erkennen an: Klare Linien, Ordnung, strenge Komposition, antike Vorbilder.

Oft moralische oder heroische Themen. Als Gegenpol zur verspielten Ornamentik des Rokoko.

Name: Jacques-Louis David.

Romantik (1790-1850)

Erkennen an: Erhabene Natur, Gefühl, Sehnsucht, Einsamkeit, dramatische Landschaften.

Die Natur ist nicht bloß Kulisse, sondern Ausdruck innerer Erfahrungen und menschlicher Grenzen.

Namen: Caspar David Friedrich, Eugène Delacroix, J. M. W. Turner.

Realismus (1840-1880)

Erkennen an: Alltag, Arbeit, gewöhnliche Menschen, wenig Idealisierung.

Statt antiker Helden oder idealisierter Schönheit werden auch soziale Wirklichkeit und harte Lebensbedingungen dargestellt.

Namen: Gustave Courbet, Jean-François Millet.

Impressionismus (1860-1880)

Erkennen an: Flüchtige Lichtstimmungen, sichtbare Pinselstriche, lockere Formen, Alltagsszenen.

Nicht jedes Detail soll scharf sein – entscheidend ist der momentane optische Eindruck.

Namen: Claude Monet, Pierre-Auguste Renoir, Berthe Morisot, Edgar Degas.

Postimpressionismus (1880-1905)

Erkennen an: Ausdrucksstarke Farben, markante Formen, individuelle Bildsprache.

Keine einheitliche Bewegung: Künstler gehen über den Impressionismus hinaus – etwa in Richtung Ausdruck, Symbolik oder geometrischer Struktur.

Namen: Vincent van Gogh, Paul Cézanne, Paul Gauguin.

Expressionismus (1905-1930)

Erkennen an: Verfremdete Formen, intensive oder unnatürliche Farben, starke Emotion.

Nicht die äußerliche Wirklichkeit steht im Vordergrund, sondern das subjektive Erleben.

Namen: Edvard Munch, Ernst Ludwig Kirchner, Franz Marc.

Kubismus (ab 1907)

Erkennen an: Geometrische Zerlegung, kantige Formen, mehrere Blickwinkel zugleich.

Ein Gegenstand wird nicht mehr aus einer einzigen realistischen Perspektive gezeigt, sondern in Flächen und Ansichten zerlegt.

Namen: Pablo Picasso, Georges Braque.

Surrealismus (ab 1920er)

Erkennen an: Traumlogik, paradoxe Kombinationen, irritierende oder unmögliche Szenen.

Inspiriert unter anderem von Träumen und psychoanalytischen Vorstellungen des Unbewussten.

Namen: Salvador Dalí, René Magritte, Max Ernst.

Pop-Art (ab 1950er)

Erkennen an: Werbung, Comics, Stars, Konsumprodukte, serielle Bilder.

Alltags- und Massenkultur werden zum Gegenstand der Kunst – mal affirmativ, mal ironisch oder kritisch.

Namen: Andy Warhol, Roy Lichtenstein.

Mona Lisa

Leonardo da Vinci · ca. 1503–1519

Renaissance. Berühmt für das rätselhafte Lächeln und Leonardos weiche Übergänge (Sfumato). Im Louvre, Paris.

Das letzte Abendmahl

Leonardo da Vinci · ca. 1495–1498

Renaissance. Jesus und die zwölf Apostel; Wandgemälde in Mailand. Perspektive führt den Blick auf Jesus.

Die Geburt der Venus

Sandro Botticelli · ca. 1480er-Jahre

Renaissance. Venus steht auf einer Muschel; mythologisches Thema, elegante Linien. Uffizien, Florenz.

Die Erschaffung Adams

Michelangelo · ca. 1508–1512

Renaissance. Gott und Adam strecken ihre Hände aufeinander zu. Teil des Deckenfreskos der Sixtinischen Kapelle.

Die Nachtwache

Rembrandt · 1642

Barock. Großes Gruppenporträt einer Amsterdamer Schützenkompanie, bekannt für dramatisches Licht. Rijksmuseum.

Das Mädchen mit dem Perlenohrring

Johannes Vermeer · ca. 1665

Niederländisches Barock. Nahansicht einer jungen Frau mit auffälligem Ohrring und dunklem Hintergrund. Mauritshuis, Den Haag.

Der Wanderer über dem Nebelmeer

Caspar David Friedrich · ca. 1818

Romantik. Rückenfigur blickt über eine neblige Berglandschaft – Natur, Erhabenheit, Selbstreflexion.

Die Freiheit führt das Volk

Eugène Delacroix · 1830

Romantik. Allegorische Freiheitsfigur mit Trikolore auf den Barrikaden der Julirevolution

Impression, soleil levant

Claude Monet · 1872

Impressionismus. Hafen im Morgennebel. Das Bild gab der Bewegung ihren Namen

Die Sternennacht

Vincent van Gogh · 1889

Postimpressionismus. Wirbelnder Nachthimmel, expressive Pinselstriche. MoMA, New York

Der Schrei

Edvard Munch · 1893 (bekannte Version)

Vorläufer des Expressionismus. Verformte Gestalt, wellenförmige Linien, Angst und existenzielle Verunsicherung.

Guernica

Pablo Picasso · 1937

Kubistische und expressive Bildsprache. Schwarz-weißes Antikriegsbild als Reaktion auf die Bombardierung Guernicas im Spanischen Bürgerkrieg.

Die Beständigkeit der Erinnerung, OG La persistencia de la memoria

Salvador Dalí · 1931

Surrealismus. Die berühmten schmelzenden Uhren in einer traumartigen Landschaft.

Campbells Soup Cans

Andy Warhol · 1962

Pop-Art. 32 Leinwände mit Suppendosen – Konsumkultur und serielle Bildproduktion.

Fountain

Marcel Duchamp · 1917

Dada / Readymade. Ein signiertes Urinal wird als Kunst präsentiert. Die Idee stellt infrage, was überhaupt als Kunst gelten kann.

• Renaissance: Orientierung an der Antike, Humanismus, Perspektive, Proportion, Interesse am Menschen und an der sichtbaren Welt

• Barock: Bewegung, Dramatik, starke Hell-Dunkel-Kontraste, Emotion und Inszenierung; häufig eng mit höfischer und religiöser Repräsentation verbunden.

Klassizismus: Rückgriff auf die Antike mit stärkerem Ideal von Ordnung, Klarheit, Maß und rationaler Komposition.

Wassilyp Kandinsky gehört zu den zentralen Figuren der Entwicklung abstrakter Malerei.

Futurismus

Ab 1909

Maschinen- und Fortschrittsbezogene Ästhetik schaffen

Autos, Fabriken, Flugzeuge, Lärm…

Bedeutende Künstler: Balla, Boccioni, Marinetti

Surrealismus

Ab 1920er

Das Unbewusste: Träume, Visionen, Rausch als Inspiration

Bruch mit Logik

Psychoanalyse

Bekannte Künstler: Dali, Max Ernst, Miró

Konstruktuvismus

Ab 1915

Kunst nicht die Natur abbilden sondern technischer Bauplan der modernen industriellen Welt

Geometrische Abstraktion

Verzicht auf naturalistische Darstellungen

Wichtige Künstler: Tatlin, Malewitsch